Luces y sombras en Rogue One

Muchas opiniones hemos podido leer y escuchar a lo largo de estos últimos días tras el estreno de 'Rogue One': una historia de 'Star Wars'. Sin embargo, como buen curioso del cine, quería comprobar por mí mismo si tales calificaciones hacían justicia al producto que ha ofrecido en este fin de año Lucasfilm como precuela a la primera entrega que se hizo ('Una nueva esperanza') en 1977.

Por muy fuerte que seas de mente, al final las opiniones de los demás acaban condicionando la predisposición que uno puede tener a la hora de ver una película. Yo, en su mayoría, había escuchado críticas negativas, por lo que quizá mis expectativas no se encontraban en alta estima precisamente; quizá haya sido eso mismo lo que me haya hecho sorprenderme de que, en términos generales, tampoco me ha parecido un fiasco, aunque también he de decir que he salido del cine pensando: "una película más".

La trama, en cuanto se refiere a la finalidad de 'Rogue One', tarda mucho en arrancar; de 2 horas y 15 minutos que dura, igual tarda hasta la mitad de la película en producirse lo verdaderamente sustancioso, "la chicha" como dicen algunos, y eso perjudica de forma clara la historia, que se realentiza por momentos. Y es que el inicio todavía se hace más complicado al intentar presentarnos un montón de planetas y situaciones de vez, que no sirven más que para aturullar la cabeza. Sin embargo, la segunda hora explota de acción y acontecimientos interesantes con un desenlace original que hace que, quizá, tanta espera haya merecido la pena.

Si algo he echado en falta ha sido la aparición de algún Jedi. Esa "caza de brujas" que se produce entre la tercera y la cuarta parte, podría haber sido un elemento fantástico para explotarlo en esta nueva entrega. Pero no, lamentablemente no aparece ningún sable láser; lo único parecido es una especie de ninja ciego (que bien podría haber sido Jedi) acompañado de un bastón como arma y unos toques de humor para intentar amenizar los diálogos.

Aunque si hay que destacar a un personaje como el más humorístico, ese es K-2SO, un droide imperial que ha sido reformateado para servir a los aliados, sus intervenciones son sublimes. Esto me lleva a otra reflexión que me hice sobre la película, ¿de verdad es necesario tanto "humor"? Es una aventura dramática repleta de acción; creo que queda bastante innecesario la introducción de escenas cómicas por muy de moda que esté actualmente con las producciones de superhéroes.

Así que, bueno, tampoco quiero profundizar mucho más. Quiero que vayáis a verla y juzguéis por vosotros mismos, pues ya habéis visto que las cosas no son siempre como la mayoría opina. Por mi parte, dejaré 'Rogue One' en la lista de "not bad" y continuaré esperando con ganas la continuación de "El Despertar de la Fuerza" con Rey, Luke y compañía.

Las muertes más misteriosas del mundo cinematográfico

El misticismo y el excesivo dramatismo suelen rodear las muertes inesperadas de actores importantes del cine mundial. Sobredosis, asesinatos, muertes en circunstancias un tanto dudosas... En la entrada de hoy, trataré uno de los temas más escalofriantes de detrás de la pantalla, los fallecimientos más misteriosos de grandes actores del cine.

Me gustaría empezar por Heath Ledger; de hecho, creo que él ha sido el principal motivo que me ha incentivado a escribir la entrada de esta semana sobre este tema. El actor australiano murió joven, muy joven; apenas tenía 28 años cuando fue encontrado en su cama inconsciente debido a una sobredosis provocadas por varias sustancias estupefacientes. Por aquel entonces, se encontraba en pleno rodaje de 'El Imaginario del Doctor Parnassus', cuyo papel protagonista fue terminado con la ayuda de tres actorazos (argumentando que el mago podía cambiar su apariencia): Johnny Depp, Colin Farrell y Jude Law.

Además, Ledger acababa de terminar el rodaje de 'The Dark Knight' donde realizó una magnífica interpretación del Joker que, de hecho, acabaría siendo premiada en los Oscar ganando el premio al Mejor actor de reparto, casi un año después de su muerte, convirtiéndose en el segundo actor que obtenía dicho galardón póstumamente. Sus compañeros, Christian Bale, Michael Caine o Christopher Nolan ensalzaron la gran labor del joven artista cuya corta vida sirvió para participar en otras grandes producciones como 'El Patriota', 'Brokeback Mountain' o 'Corazón de Caballero'. Dicen las malas lenguas que Ledger se metió tanto en el papel de el Joker, que acabó volviéndose loco; ¿verdad u ornamentación de los acontecimientos? Sea lo que sea, su drástico final le convirtió en leyenda.

Quizá otro de los casos que más ha impactado en el mundo del cine fue el asesinato de Sharon Tate. La actriz de 26 años, estaba llamada a ser una de las grandes promesas de Hollywood en la década de los 60-70; sin embargo, algo terrible ocurrió. En la madrugada del 9 de agosto de 1969, Tate y cuatro amigos suyos fueron encontrados asesinados en la casa de la actriz. Al final, se descubrió que los culpables habían sido un grupo de personas que cumplían las órdenes de Charles Manson, un extremista cuyo objetivo era provocar una guerra entre los negros y los blancos.

Aquella noche, uno de los invitados era el mismísimo Bruce Lee, quien al final no pudo acudir. Sin embargo, cuatro años después no lograría escapar de nuevo, pues sufrió un edema cerebral que le causó la muerte instantánea. Muchos rumores giran en torno a la verdadera razón de su muerte, quizá la más mística sea la de que varios monjes del kung fu fueron provocando poco a poco su enfermedad tocando una parte de su mano; ¿el motivo?, vengarse por haber transmitido al mundo occidental los secretos de esta modalidad de lucha.

Su legado continuó con su hijo, Brandon Lee, quien también deicidio introducirse en la profesión de la gran pantalla, la cual le condujo a un trágico final cuando solo tenía 28 años. Durante el rodaje de 'El Cuervo', se mezclaron accidentalmente los cartuchos de fogueo con los falsos; Michael Massee disparó directo al abdomen del joven actor a una distancia corta, provocando que la presión del disparo fuera tan fuerte que acabaría matándolo. La película fue terminada mediante la utilización de dobles y retoques a ordenador, mientras Brandon Lee se convertía en otra leyenda cineasta.

Por último, era imposible dejar de hablar de la mítica Marilyn Monroe. ¿Cuántas historias existen sobre su vida, tanto profesional como amorosa, y sobre las circunstancias de su muerte? Su figura se ha convertido en todo un misterio y, por lo tanto, en un personaje eterno. La autopsia determinó que su muerte, a los 36 años de edad, había sido provocado por una sobredosis de barbitúricos. Sin embargo, varias incongruencias salieron a la luz pues, según había informado el policía que había analizado el lugar donde Monroe había muerto, la situación que habían descrito sus médicos (Greenson y Engelberg) no cuadraba con lo observado. Suicidio o asesinato, nunca se sabrá, quedará como parte de aquellos misterios que han marcado la historia del cine.

El Salón de la Fama: Christopher Nolan

Miles de actores, de guionistas, de directores, han intentado triunfar en el mundo del cine; muy pocos lo han conseguido. La gloria está reservada solo para aquellos que consiguen cambiar el rumbo de lo establecido, que explotan su imaginación de una forma admirable para crear tramas, personajes o enfoques reflexivos que a nadie se le había ocurrido hasta entonces. La confianza, el esfuerzo y el don del artista consigue distinguir finalmente a la persona estándar de aquel que es merecedor de estar en el salón de la fama.

Hoy he querido inaugurar una sección en FRAME en la que hablaré sobre esta serie de personas que, a mi juicio, se han convertido en referentes del cine mundial gracias a su originalidad o a su importancia en la historia de este arte. En el primer número de "El Salón de la Fama" hablaré sobre Christoper Nolan, un director rompedor, innovador y único que, pese a su integración en el modelo de superproducciones cinematográficas mundiales, todavía conserva esa identidad suya que tanto le caracteriza, una forma de ver el cine que le hace colocarse en la lista de los mejores.

Tras la aventura experimental en sus años de juventud con cortometrajes que le sirvieron para curtir su técnica como productor y director, en 1998 Nolan realizó su primera película y seguramente la menos conocida. 'Following' apenas tuvo 6.000 dólares de presupuesto y su recaudación giró en torno a los 43.000 dólares, lo que demuestra que -obviando el todavía desconocimiento sobre el británico- la película no poseía las claves para ganarse a un público extenso. Su rodaje en blanco y negro y la escasa acción hacen de 'Following' no una producción comercial, sino una película en la que un director disfruta de verdad creándola.

El escaso éxito de su primera obra no desmotivó a Nolan que, decidido a continuar con su carrera cinematográfica, apostó por algo totalmente innovador: romper con la línea temporal estándar de la trama. Estoy hablando de 'Memento', una auténtica joya cinematográfica cuyo protagonista, que sufre amnesia anterógrada (es decir, no puede acumular nuevos recuerdos), intentará encontrar al asesino de su mujer. Lo curioso es que, ya en el inicio de la película, muestran el final de la trama, por lo que la película se desarrolla dando marcha atrás, recorriendo los pasos que le han llevado a Leonard al desenlace de los acontecimientos. El director británico se arriesgó, y ganó. 'Memento' se convirtió en una magnífica carta de presentación, a partir de la cual escalaría hasta el Olimpo cinematográfico en prácticamente 10 años.

Su siguiente experimiento fue 'Insomnia', la cual se convirtió en una de las más flojas de su filmografía pese a tener a Al Pacino y Robbin Williams en el reparto. Pero poco le acabaría importando a Nolan su último desliz, pues llegaría la gran trilogía con la que se ganaría el corazon de millones de personas: 'The Dark Knight'. Las tres películas producidas en el 2005, 2008 y 2012 consiguieron recuperar el buen prestigio de un Batman que había decaído en sus últimas aventuranzas en la gran pantalla. La plasmación del mejor Joker con el difunto Heath Ledger y su apoteósico final con un desenlace inesperado, convirtió al británico en el salvador de DC, la persona que podría ser capaz de evitar la supremacía Marvel.

Pero Nolan tenía otros planes para su carrera, tenía muy claro que no quería encasillarse en un solo género. Continuando con su fiel filosofía de experimentar con nuevas y anecdóticas historias que dieran que pensar al público, se estrenó 'Origen' en el 2010, una nueva y auténtica obra de arte que trata el mundo de los sueños y la forma en la que un grupo de expertos consiguen adentrarse en los sueños de otras personas para descubrir sus secretos más profundos. La película fue galardonada con cuatro Oscars a Mejor fotografía, Mejor edición de sonido, Mejor mezcla de sonido y Mejores efectos eisuales además de estar nominada a Mejor película.

La máxima creatividad había brotado en cada uno de sus últimos producciones; sin embargo, todavía le quedaba una bala en la recámara. De esta forma, llegó en el 2014 'Interstellar', el culmen de su carrera, la obra maestra en la que ciencia, originalidad y su ya conocido giro sorprendente de los acontecimientos se combinaron para crear una trama en la que McConaughey y Anne Hathaway se lanzarán a la inmensidad del espacio con el objetivo de salvar a la humanidad. Ganador del Oscar a Mejor efectos visuales, 'Interstellar' reventó las taquillas de todo el mundo. Nolan lo volvió a hacer.

Y es por esto, la razón por la cual estás dentro de este particular salón de la fama, de los mejores, pues has conseguido que tu rebuscada mente se plasme y triunfe en la gran pantalla. Espero ansioso tu nuevo proyecto, 'Dunkirk', sobre la Segunda Guerra Mundial. Gracias, Christopher Nolan, por hacernos disfrutar de tu don.

Newt Scamander, guía hacia la trama Grindelwald

Interminable se hacía la espera de todos aquellos seguidores del mundo mágico creado por J.K. Rowling mediante Harry Potter con el estreno de 'Animales Fantásticos y dónde encontrarlos'. Al fin, el 18 de noviembre llegó, y el público pudo disfrutar y juzgar esta nueva entrega que abre una saga de la que se esperan al menos cuatro películas más y que generó la pregunta sobre cómo podrían sacar cinco películas de un libro cuyo grosor apenas era un cuarto de la Piedra Filosofal.

Este objetivo de explotar al máximo un libro ya lo había conseguido Peter Jackson con 'El Hobbit', pero incluso dicha novela poseía más páginas que 'Animales Fantásticos' y su plasmación en la gran pantalla consistió en una trilogía. Las congeturas e incluso las críticas prejuiciosas se cernieron sobre esta nueva película protagonizada por Eddie Redmayne, pero David Yates nos dio el mejor motivo posible para la continuación de esta nueva trama: la historia de Gellert Grindelwald.

Grindelwald es un mago tenebroso muy anterior a Lord Voldemort del que ya sabemos bastantes cosas debido a que era un viejo amigo de Albus Dumbledore y, por lo tanto, en la saga de Harry Potter aparece su nombre varias veces. En el inicio de esta nueva producción, Yates muestra la gran imporancia que va a tener este personaje con la muestra de diversos artículos de periódicos en los que se informa sobre los diferentes asesinatos y altercados que ha provocado el famoso mago en los últimos meses.

De esta forma, el protagonista, Newt Scamander, parece que se haya convertido en una mera excusa para conducirnos a lo que quizá verdaderamente importa, una aventura que no solo se limite a la búsqueda de bestias mágicas y peligrosas, sino una en la cual el mal, el enemigo, tenga un motivo mayor, un pasado oscuro, temeroso y que infunda respeto. Con todo esto no digo que el magizoólogo sea un personaje prescindible, es interpretado por uno de los mejores actores de la actualidad y por lo tanto debe ser explotado. Por ello, seguramente el personaje de Scamander se convierta en el héroe que ayuda a los aurores a evitar que Grindelwald extienda el mal por el mundo mágico y el muggle con la ayuda de, cómo no, sus criaturas mágicas.

Pero dejémonos de estipulaciones sobre las próximas entregas, hablemos de esta película. Scamander llega a los Estados Unidos con el propósito de devolver un thunderbird a su hábitat natural, Arizona; sin embargo, los animales que lleva en la maleta complicarán considerablemente el viaje a Nueva York donde un obscurial está causando estragos en la ciudad. Como podéis observar, el tema troncal no toca, ni de lejos, a Grindelwald, por lo que se convierte principalmente en un largometraje introductorio a la nueva saga cuyo argumento se podría contar perfectamente en 1 hora y media de duración en vez de en 2 horas y cuarto, un fallo que puede provocar que la película se convierta en monótona.

La aventura junta a cuatro personajes bastante peculiares y diferentes entre sí; uno de ellos se llama Jacob Kowalski y es, sin duda, una de los elementos más innovadores de esta nueva etapa del universo de Rowling. Esto es debido a que Kowalski es un muggle -o un no-mágico como dicen en Norteamérica- que, por caprichos del destino, acabará envuelto en la trama en la que está involucrado el magizoólogo. De esta forma, este nuevo compañero irá descubriendo el mundo mágico que le rodea y del cual nunca se había percatado. En mi opinión, la introducción de este personaje ha sido de lo más acertada, más allá del carácter humorístico y romántico que aporta, el espectador empatiza con él; la ilusión de descubrir cosas que se escondían ante sus ojos, la emoción de vivir una aventura bajo el peligro mágico y, por último, la rabia y la desilusión al darse cuenta de que no pertenece a ese mundo, deseando una y otra vez que él también quiere ser mago.

El desarrollo de 'Animales Fantásticos y donde encontrarlos' deja lo mejor para el final, ya que culmina con una escena totalmente inesperada que le aporta un mayor sentido a toda la historia; no diré cuál es, los que la hayáis visto intuiréis de lo que hablo, los que todavía no, os invito a que lo hagáis pues es el inicio de una maravillosa saga en la que el Gellert Grindelwald de Johnny Depp dará mucho de que hablar.

La Isla Mínima, la joya cinematográfica española

En este corto pero intenso período de vida de 'Frame', he dedicado el contenido a hablar sobre películas que, en su mayoría, provienen del otro lado del charco. No me culpéis por centrar mi atención en las producciones extranjeras, soy uno más de los que ha caído en los tentáculos de la industria estadounidense que parece haber monopolizado el mercado cinematográfico mundial. No obstante, también soy consciente de la todavía existente resistencia española en la que hoy voy a centrarme con el propósito de comentar la que, para mí, es de las mejores películas que se han realizado en este país.

Curiosa la moda, la tendencia que un día deja algo en lo más alto y al siguiente lo hunde hasta el olvido o el rechazo. Parece que el cine español no sale de este segundo extremo, siempre en una concepción de animadversión por parte de la propia ciudadanía española que hace que cada largometraje producido en el país parta desde una posición peor respecto a las norteamericanas. Quizá sea en parte por el irónico aburrimiento que provocan las típicas comedias españolas repletas de tópicos y bromas predecibles; te podrás echar unas risas durante una hora, pero al salir de verla, ya la habrás olvidado; y es que como bien se dice: "lo que sin esfuerzo se gana, nada vale".

Una película va más allá de entretener al público durante un determinado período de tiempo, esa concepción ha quedado bastante obsoleta; hoy en día se apremia el guion, la fotografía, los montajes, la originalidad de la trama... Unos puntos que Alberto Rodríguez mostró a la perfección en 'La Isla Mínima', una obra cinematográfica que triunfó en los Goya 2015 con 10 galardones entre los que se encuentran premio a mejor película, mejor director, al mejor guion y a la mejor fotografía, y en los European Film Awards donde consiguió el Premio del Público.

'La Isla Mínima' nos ambienta en los años 80, en un pueblo de las marismas del río Guadalquivir donde dos adolescentes han desaparecido sin dejar rastro. Juan (Javier Gutiérrez) y Pedro (Raúl Arévalo), dos detectives enviados desde Madrid, tendrán que trabajar juntos para encontrar a las jóvenes dejando a un lado los diferentes métodos y formas de pensar que les caracterizan. El silencio de los habitantes del poblado, la creciente desconfianza entre los dos protagonistas y el misterioso y tenebroso paisaje de la zona hará de esta trama un magnífico suspense que mantendrá en constante tensión al público.

Más allá de la gran actuación de Raúl Arévalo y Javier Guitiérrez, quien por cierto ganó el Goya a mejor actor protagonista en el año correspondiente, cabe destacar la sensacional fotografía que destaca de principio a fin el escenario donde se desarrollan los acontecimientos hasta el punto en el cual, tal y como dijo Hector Garrido, el responsable del archivo fotográfico de la Estación Biológica de Doñana que cedió dicho material, "las marismas se convierten en la protagonista de la película".

De esta forma, Alberto Rodríguez consiguió demostrar que actualmente en España sí se pueden hacer grandes producciones que encandilen al público; no es necesaria la contratación de actores extranjeros como hizo Amenábar con 'Los Otros' y 'Ágora' o Bayona con 'Lo Imposible'. El director andaluz supo explotar de una manera admirable los paisajes de la península y los profesionales españoles tanto técnicos como artísticos. Su esfuerzo tuvo una gratificante recompensa con un notable reconocimiento que quedará marcada en la historia del cine español.

Quisiera, para concluir, recuperar el tema sobre el porqué del fracaso -en términos generales- de nuestro cine. Anteriormente he echado la culpa a los propios productores por la falta de originalidad en sus obras; sin embargo, también estoy convencido de que nosotros, los ciudadanos, tenemos gran parte de la responsabilidad. Hemos crecido desde pequeños con la concepción de que las películas estadounidenses, por sistema, siempre van a ser mejores que las españolas, no importa ni la trama, ni los diálogos, ni siquiera los actores, ha habido un desembolso desorbitado de dinero, ¿para qué quieres más argumentos?; mientras que la industria española, triste y pobre, sin casi ayuda pública, malvive con películas carentes de acción y efectos especiales.

No todas las películas son buenas por el mero hecho de que se basen en escenas de acción cargadas de efectos especiales, y para cambiar esta mentalidad, se debe "atacar" a la raíz, a la formación, fomentando una educación cinematográfica basada en tres pilares: la eliminación de prejuicios hacia el cine español, la exigencia a este por parte de la población de una mayor calidad y variedad de las películas y la recuperación del hábito de ir al cine. De esta forma, quizá, y solo quizá, el cine español cree obras tan magníficas como 'La Isla Mínima'.

El noble arte de las bandas sonoras

Al igual que un pintor no puede hacer nada sin sus manos o un periodista no puede destacar si carece de creatividad y curiosidad, una película no puede triunfar si no tiene una adecuada musicalidad que acompañe y mime la trama, que transmita unas sensaciones al público de forma inconsciente. Porque la vida no es lo mismo sin música; con ella, todo se ve con mejores ojos, explota nuestros sentimientos más profundos. Por ello, os aconsejo, antes de comenzar, que esta entrada la leáis con vuestra banda sonora favorita de fondo, quizá conectéis mejor con lo que os quiero contar.

Llegas a casa tras un día malo, te tumbas en la cama y la primera canción que tu cuerpo te pide es Fly, una bonita pero melancólica y hasta triste composición de piano que Ludovico Einaudi supo introducir a la perfección en 'Intocable'. A la mañana siguiente te levantas motivado, con ganas de comerte el mundo, coges el móvil y pones The Kiss de 'El Último Mohicano' o el famoso tema Braveheart de James Horner. Acaba el día, necesitas relajarte, y sabes que Concerning Hobbits ('El Señor de los Anillos') es idóneo para ello.

Las bandas sonoras no son un recurso complementario del cine, son parte de él. Es complicado por no decir imposible imaginarse a Darth Vader sin su marcha imperial, y es que sin ella, el villano de 'Star Wars' no sería lo mismo, no impondría tanto miedo y respeto. La mítica escena de Jack abrazando a Rose en la proa del Titanic hubiese perdido todo ese sentimentalismo que la banda sonora de la película, y en concreto la voz de Céline Dion, entregaron a la pareja. O quizá las interpretaciones de Jonnhy Depp en el papel de Jack Sparrow serían menos humorísticas si su cómico fondo musical no lo respaldara.

Las películas de miedo o suspense son quizá los géneros cinematográficos que más necesitan y, por ello, explotan -a parte de las películas de acción- debido a la importancia de crear tensión en el público. Cuántas veces nos habremos preguntado la razón de nuestra tensión ante una escena que sabemos que no va a acabar bien. Esa sensación es provocada gracias a la música, y Alfred Hitchcock fue uno de los primeros directores que se dio cuenta de la ventaja que esto suponía para que sus producciones llegaran de una manera efectiva al espectador. Y es que tal y como decía el cineasta británico: "el sonido revela en muchas ocasiones el significado subconsciente de una imagen".

'Psicosis' es sin duda el mejor ejemplo; Hitchcock introdujo en casi todo el largometraje un zumbido de abeja de fondo lo suficientemente bajo para que las personas no fueran conscientes de ello pero su cerebro y oído sí, provocando de esta forma un cierto malestar e incomodidad durante la película. Tampoco hay que olvidar una de las escenas más famosas de la historia del cine, el asesinato de Marion, una escena de apenas un minuto de duración en la que son los propios violines de Bernard Herrmann los que parecen clavar el cuchillo al espectador.

Grandes películas han aparecido desde entonces apoyadas por magníficos compositores, aunque quizá el que mayor renombre se ha ganado al menos en estas dos últimas décadas haya sido Hans Zimmer. El alemán ha estado hasta diez veces nominado a los Oscar de las cuales, sorprendentemente, solo ha ganado uno (con 'El Rey León'). Sus acompañamientos musicales han formado parte de grandes películas como, entre otras, 'Gladiator', 'Pearl Harbor', 'El Código Da Vinci', 'Piratas del Caribe', la trilogía de Batman de Christopher Nolan, 'Sherlock Holmes', 'Interstellar' y 'Origen'.

La música es la magia que nos traslada a otros paraderos, que nos hace rememorar nuestros más preciados y pasados recuerdos, que nos hace reír, llorar y sentir miedo. Esa agradable sensación que nos transmitió John Williams con 'E.T., el extraterrestre', los pelos de punto cuando comienza la intro de Harry Potter o la legendaria sinfonía de 'El Padrino' son claros ejemplos de que las mejores películas poseen las mejores bandas sonoras. Me despido, siento si me he extendido demasiado, con Time (de Hans Zimmer) de fondo, las palabras han salido solas de mis manos.

La verdadera magia de Harry Potter

El mundo de aquel mago que nos hizo soñar y vibrar de la emoción, primero en formato libro y posteriormente en la gran pantalla, vuelve al cine y lo hace con una historia y unos personajes totalmente diferentes a los originales. Se trata de una nueva aventura anterior a Harry Potter que se centra en Newt Scamander (interpretado por el ganador del Oscar al mejor actor, Eddie Redmayne), un magizoólogo que tendrá que atrapar a las bestias que se han liberado de su bolsa en Nueva York antes de que estos provocan el caos en la ciudad. "Animales fantásticos y dónde encontrarlos" está al caer y aquí un servidor está mas que ansioso, nervioso, emocionado... En definitiva, se me están pasando estos días más largos que la espera de la carta de Hogwarts.

Sin embargo, hoy he querido escribir esta entrada no para hablar de esta película concretamente, ya habrá tiempo de analizarla una vez la haya visto y saboreado; hoy he querido aprovechar este fervor a una semana del estreno como vía de desahogo ante una situación que tanto yo, como seguramente todos los grandes seguidores de esta saga, hemos vivido en las últimas semanas desde que David Yates y J.K. Rowling confirmaron que esta nueva trama tendría un total de cinco películas.

"¿Cinco películas? ¡Se están pasando! Rowling no sabe como ganar más pasta", seguramente hayáis escuchado esto más de una vez, yo al menos sí, demasiadas. Ante esta situación, de pronto tan solo piensas en lanzarle a esa persona un Cruciatus o un Avada Kedavra; no obstante, como persona razonable, te calmas, respiras y entonces comienzas a exponer tu punto de vista. Rememoras tu infancia, aquel momento en el que, mágicamente, un libro titulado "Harry Potter y la Piedra Filosofal" cayó en tus manos. Se iniciaba una larga y hermosa relación.

Atrás queda ese niño que se emocionaba cuando sacaban cada libro o cada película; sin embargo, aunque ya hayamos leído o visto la saga por segunda, tercera o décima vez, la ilusión continúa siendo la misma, y la razón es muy simple. Es difícil alejarte de algo que te ha marcado tanto y con lo que has crecido, una historia que te ha enseñado unos valores vitales en tu vida, unos personajes con los que te has reído, has empatizado, sufrido y aprendido. Esta es la verdadera magia de Harry Potter.

El mundo creado por la escritora británica es un universo literario totalmente nuevo, una sociedad mágica a partir de la cual se puede sacar todo el tipo de historias que desees imaginarte. Eso es exactamente lo que ha buscado Warner Bros con este lanzamiento que se aleja de la historia central del joven mago. Por lo tanto, no se está sobreexplotando el mismo tema, tan solo se muestra otra pequeña aventura de la multitud que tiene este universo como potencial.

¿Acaso no han sacado miles de producciones sobre la mitología griega? ¿Están explotando también Star Wars o Marvel? No niego el trasfondo económico y comercial que contiene la producción de estas películas, el problema es que estos intereses son asociados a J.K. Rowling, una persona que destinó el 80% de los beneficios de -justamente- "Animales fantásticos y dónde encontrarlos" a una organización caritativa llamada Comic Relief de ayuda a los niños pobres, en vez de señalar a las compañías cinematográficas que realmente están detrás de todo esto.

Se hace tarde, es hora de dormir. Un día menos para el estreno, un día menos para volver a saborear la verdadera magia, para recuperar esa agradable e insustituible sensación que pareció disiparse con la última película en el 2011. Porque mi ilusión y ganas continúan más que vivas. Y podréis preguntarme: "¿Despúes de todo este tiempo?", y yo, tal y como dijo un honorable profesor de Hogwarts, os contestaré: "Siempre".

DC vs Marvel: la Guerra Fría del cine

En esta segunda década del siglo XXI nos encontramos ante una disputa de nivel cultural, bajo -como es lógico- unos intereses económicos, de dos grandes productoras cinematográficas. La guerra que se ha desatado entre Warner Bros, con el estandarte de DC comics, y Disney, defensora de Marvel, se ha convertido en una situación morbosa y de lo más interesante sobre la que hoy he querido poner la lupa en esta entrada.

Podríamos decir que el origen de todo esto se remonta al 2008, fecha en la que se estrenó 'Iron Man 1'; con aquella película comenzaba a labrarse un pique entre estas dos productoras que no dudaron en dedicar gran parte de su industria a la creación de dos universos en torno a los famosos cómics. Sin embargo, el culmen de esta confrontación llegó con una película que estrenó Warner Bros en agosto de este mismo año y cuyo objetivo no era otro que el de aproximarse al humor que mostraban las producciones del bando contrario como 'Los Guardianes de la Galaxia' ya que Disney estaba recaudando mucho más dinero con sus producciones.

Sí, estoy hablando de 'Escuadrón Suicida', una película que seguro que todos conoceréis y no precisamente por comentarios positivos. La obra de David Ayer era esperada con ansia por todos, las expectativas que se habían puesto sobre ella eran muy altas; tan altas, que cuando se produjo el estreno, su caída fue monumental. Y es que esta película refleja de una manera clara las dos principales razones por las que, a mi juicio, la colaboración Disney-Marvel está ganando, e incluso doblando, a Warner-DC en una 'Guerra Fría' del cine que no ha hecho más que empezar.

Cuando ni la propia dirección sabe cómo clasificar a su largometraje, hay un problema y gordo. Desde el principio, Warner determinó que 'Escuadrón Suicida' sería una película de acción pero con fondo humorístico para que, de esta forma, pudiera ser apta para todos los públicos y así enganchar a los más pequeños, una decisión que le costaría caro a Jared Leto (intérprete del Joker), a quien a penas le dejaron un 20% de todas las escenas que había grabado. El planteamiento no convecía aun así y, finalmente, Warner Bros tuvo que ampliar la edad apta a los 13 años. 

¿Por qué parece inevitable que DC no conecte con los más pequeños? Precisamente porque en su origen, sus cómics no estaban destinados a un público así, tan infantil. La editorial se creó en 1934, una década triste, depresiva, lúgrube o como bien indica la ciudad de Batman: Gótica. Tras el crack del 29, el humor y la alegría se habían esfumado, no interesaba hacer reír, sino crear historias elaboradas que abstrajeran a las personas de sus pésimas situaciones. Cuando Marvel llegó, el 29 quedaba muy atrás dejando paso a un sistema capitalista que crecía como la espuma. La nueva compañía se lanzó al mercado juvenil con personajes adolescentes de maravillosos superpoderes y con sentido del humor que pronto cuajaron en sus consumidores hasta el día de hoy.

"No quieras correr antes de saber andar" debieron decirle a la Warner antes de precipitarse en esta aventura sin una planificación previa. 'Escuadrón Suicida' o 'Batman vs Supermán' son dos claros ejemplos de la aceleración de los acontecimientos sin tratarlos previamente, sin mimar la profundidad de cada personaje para poder conocerlo. Disney ha necesitado más de cinco años para poder juntar a sus héroes en una misma película; hasta entonces, tanto Iron Man, Thor o Capitán América habían disfrutado de sus propias historias en la gran pantalla hasta que llegó 'Los Vengadores' en el 2012. Por ello, creo que la escasa profundidad que han mostrado sobre las historias de los protagonistas de DC ha perjudicado de una forma vital su interiorización en el público.

Warner Bros y DC se encuentran en una encrucijada de la que, no obstante, pueden salir sin problemas si se lo proponen y si añaden pausa a sus decisiones; disponen de grandes tramas que atraparían a cualquiera y de carismáticos superhéroes de los que se puede sacar petróleo (y si no que se lo digan a Christopher Nolan con su trilogía de 'El Caballero Oscuro'). ¿Será demasiado tarde o conseguirá, después de tantos años, recortar distancias a la intratable dupla Disney-Marvel?

La Fiesta de las Salchichas, una patada al mundo contemporáneo

La Fiesta de las Salchichas se ha convertido en una de las películas más comentadas en este final del 2016, su carácter "gamberro" ha provocado una gran y diversa cantidad de críticas sobre ella que ha hecho aumentar su fama. Más allá de su trama, sus productores han encontrado la forma de salir de los parámetros establecidos en el mundo del cine actual para conseguir llamar la atención de una manera peculiar pero efectiva.

Ayer tuve la oportunidad al fin de ver esta película y juzgar por mí mismo si de verdad se merece la repercusión que se le está dando, y mi balanza se tornó favorable. Si tuviera que describir al trabajo de Conrad Vernon y Greg Tiernan con una palabra, diría: "Sin". Sin tapujos, sin censura, sin verguenza, sin ningún tipo de miedo a las reacciones del público; y eso es lo que de verdad me ha atrapado de esta película y de todo los responsables que hay detrás: la valentía con la que han afrontado este proyecto.

"Ya existen películas cuya función es crítica" podéis decirme. Y sí, es cierto, existen cientos de producciones que tratan las injusticias que se dan en este mundo: contaminación medioambiental, desigualdades sociales, consecuencias del capitalismo... No es algo nuevo. El problema es que la mayoría de los largometrajes que tratan estos temas son documentales, y los documentales, por desgracia para nuestra cultura, no posee tanta aceptación. La Fiesta de las Salchichas ha conseguido introducirse como película de entretenemiento animada para adultos con un mensaje fuerte y claro. En definitva, ha transformado la crítica, en sátira.

Antes de verla tenía unas determinadas expectativas, me esperaba una fuerte crítica a la sociedad occidental combinada con un ingenioso humor negro. No resultó ser así. La película se atreve con todo, no deja indiferente a absolutamente nadie y consigue transmitir un tono cómico que se aleja de los típicos estereotipos, lo cual se agradece. Cada escena y cada diálogo, deja alguna "pullita", aunque quizá los más destacados y afectados sean el religioso y el conflicto judio-musulmán.

La religión es un tema que se aprecia desde el inicio cuando todos los alimentos del supermercado cantan una canción de alabanza a sus dioses (los humanos), quienes les sacarán de aquel lugar para llevarles al 'mas allá' (detrás de la puerta de salida). Lo que no saben es que lo que en verdad hacen las personas con ellos es cocinarlos y comérselos, algo que Frank, el protagonista, tratará de contar a todos los demás sin ningún éxito debido a las arraigadas creencias que están integradas en los alimentos del supermercado.

La disputa entre Israel y Palestina está reflejada en dos personajes que representan a sus colectivos: Lavash (musulmán) y Sammy Bagel Jr (judío). Ambos comparten varias discusiones a lo largo de la historia sobre su choque de culturas y el problema que tienen al verse obligados a compartir el mismo pasillo debido a que los "dioses" han decidido ponerlos juntos, todo una metáfora de la realidad que se vive entre estos dos territorios. Sin embargo, lo mejor de esta relación es el mensaje final que sus productores pretenden transmitir: el respeto, la tolerancia, el amor por encima del orgullo y la enemistad debido a un conflicto que la misma película convierte en insignificante.

Gracias, Vernon y Tiernan, por llevar una obra así al cine, por realizar una película que canaliza el humor y la crítica de una forma agradable y efectiva, por no dejaros amedrentar por los "jefazos" de la industria cinematográfica cuyos intereses seguramente estarían alejados de esta filme. Quizá consigáis que la gente salga de la sala de cine reflexionando sobre vuestra película y la realidad que los rodea, quizá logréis que el verdadero mensaje, que disfrazáis bajo esta gamberrada, se consolide en nuestra sociedad y no se esfume como meros alimentos en nuestro estómago.

Wang Jian-Lin amenaza el trono cinematográfico de Hollywood

El hombre más rico de China ha iniciado un ambicioso proyecto cuyo gran objetivo es convertirse en el dueño y señor de la producción cinematográfica mundial; un plan que ha comenzado a tener forma con los primeros movimientos para la construcción del mayor complejo cinematográfico del mundo en la ciudad costera de Qingdao.

Hollywood tiembla, y no es para menos, pues Wang Jian-Lin, poseedor de 10.900 millones de euros (según la revista Forbes), amenaza con derrocar el dominio que ejerce la gran industria cinematográfica estadounidense en el panorama mundial. El empresario chino lo tiene muy claro, quiere hacerse con la corona de la producción de largometrajes, y para ello se está haciendo poco a poco con empresas estratégicas en este mercado.

La primera adquisición fue Legendary Entertainment, empresa co-productora junto a Warner Bros de 'taquillazos' bajo el nombre del gran director Christopher Nolan como la trilogía de Batman The Dark Knight, Origen o Interestellar, además de otras películas de gran éxito como 300, Superman Returns y Watchmen. La empresa de Jian-Lin, Wanda, la compró a principios del 2016 por 3.240 millones de euros. Por otra parte, la cadena de cines AMC también cayó bajo los tentáculos del magnate chino tras comprarlo por 1.100 millones de euros.

Sin embargo, la gran amenaza sobre Hollywood llega del otro lado del Pacífico, en Qingdao, una localidad de más de siete millones de habitantes donde el multimillonario ha decidido crear un "Hollywood chino" con una inversión de 7.460 millones de euros con la premisa de que en un par de años, el gran país asiático se convertirá en el primer mercado cinematográfico del mundo con ingresos de 9.100 millones de euros tal y como recogía El País.

Jian Lin ha sido muy listo, y con esta jugada maquiavélica ha conseguido crear una presión sobre la industria estadounidense inimaginable en el siglo XX. Y ha sido ahora, con todos los cabos atados, cuando el presidente de Wanda ha decidido dar el siguiente paso: hacerse con el mismo Hollywood. Galas de presentación en Qingdao con célebres actores estadounidenses como DiCaprio, Nicole Kidman o John Travolta, o el proyecto de compra de Dick Clark Production, encargada de galas tan importantes como los Globos de Oro, son ejemplos de la imparable expansión por el mercado de Estados Unidos.

De esta forma el multimillonario se ha presentado como el Jar Jar Binks chino al que unos pocos quieren y la mayoría odian; tiende la mano y explica que su intención es la de colaborar con industria cinematográfica estadounidense, mientras sujeta con la otra mano un "cuchillo" amenazante: "Las historias de Hollywood de ahora no son tan buenas y su dependencia de los efectos especiales no funcionará para siempre". ¿Le quedan los días contados a Hollywood? ¿Tan oxidados están los estudios norteamericanos para que necesitemos un cambio en el cine?